HISTORIA DEL DANCEHALL

Se llama así porque muchos de los discos se aceptaron para la radio y por lo tanto fueron considerados únicamente válidos para la salas de baile (Dance Hall). Y la controversia no acabó aquí.

El Reggae del Dancehall se estableció gracias a personajes como Yelloman, U Roy y General Echo. Este liderazgo pareció que llegaba a su punto álgido en 1980 cuando el poeta apodado Mutabaruka aseguraba que “... si el Reggae de los 70 era rojo, verde y amarillo (oro), en la siguiente década va a tener cadenas de oro”. Tan alejado estaba de la visión amable y hippie del Roots & Culture que los puristas debatieron furiosamente si era realmente Reggae o no.

Este era la cuestión. El Dancehall representó una nueva generación de público nobel de Reggae que reclamaba la música para ellos mismos después de 10 años de Roots en los que: no habían hecho mucho por cambiar la manera en la que vivían y que había sido tan adoptado por la corriente internacional que ya no parecía “suyo”, algo puramente jamaicano. Esto fue una nueva manera de reaccionar a la dureza del ambiente y derivó en la rudeza del Hip-Hop para expresarse con una impaciencia que no se veía en el Roots. Se necesitaba un acercamiento radical para sacar al Reggae de su complacencia y el Dancehall optó por no satisfacer a nadie que estuviera fuera de las masas musicales.

Productores como Henry Junjo Lawes y King Jamy llevaron a cabo producciones con la crudeza que deseaba el público con Deejays como Yellowman, Josey Wales, Lone Ranger, Eek-A-Mouse y Brigadier Jerry. No sólo había Deejays sino también cantantes como Barrington Levy, Little John, Cocoa Tea y Frankie Paul que tuvieron que luchar duro para ser escuchados.

A pesar de que el Dancehall irritaba a los puristas, era relativamente poco dañino comparado con lo que iba a venir. La música deliberadamente perdió todo sentido de ser tocada con instrumentos convencionales y se primaron los sonidos electrónicos. Los ritmos se aceleraron y se endurecieron de manera que parecían diseñados para no desmayarse mientras el Deejay producía ritmos que eliminaban todos los vestigios del amor.

Mientras tanto el punto crucial: hubo un cambio radical; la relajación y la inactividad, consideradas una obscenidad que aparecían en la mayoría de la música caribeña desde Calipso, se tornaron en una corriente misógina, de violencia y prejuicios (incluso homofobia). Mientras, una moda alarmante hacia los “discos pistola”, reflejaba el crecimiento del gangsterismo en los ghettos de Kingston. Shabba Ranks cayó en desgracia internacional cuando participó en el disco de Buju Banton “Boom Bye, Bye” que incitaba a matar gays.

Bounty Killer abrazó la cultura de la pistola y Capleton se aproximó a las mujeres no siempre en términos positivos y políticamente correctos. También Macka B, es uno de los exponentes, de mensajes positivos y en contra de la discriminación de las mujeres.

Un debate polémico, sobre si esto estaba reflejando o influenciando la realidad de los ghettos jamaicanos, hizo que el Reggae desarrollara un acto admirable de autorregulación, con un renacimiento del Roots que furiosamente rechazaba aquello en lo que se había convertido todo y que tenía como objetivo reemplazarlo con algo más “sano y saludable”. Artistas como Buju Banton y Capleton vieron la luz, se dejaron crecer dreadloks en la cabeza y cambiaron su manera de enfrentarse a la vida, aunque manteniendo todo su entusiasmo. Bennie Man, mientras tanto, se volvió de espaldas a los aspectos más negativos de su repertorio y estos nuevos Deejays del Roots llegaron a unirse por Anthony B y Sizzla, dos exponentes de los Bobo Ashanti, la línea dura del Rastafarismo que reclamaba liberarlo de las modas de los años 80.

Otro desarrollo más fue una nueva ola de cantantes que consiguieron combinar la sensibilidad y la espiritualidad del Honorable Bob Marley con un enfoque moderno hacia su música. Luciano, Tony Rebel y Morgan Heritage iniciaron el camino.

Por supuesto el rápido desarrollo de la tecnología de los estudios jugó un papel importante ya que los discos podían hacerse más rápido y más baratos, y así era más fácil versionar un riddim una vez elaborado. Esto se tradujo en una corriente de nuevos talentos que aseguró que el Dancehall continuaría fresco durante años.

HISTORIA DEL DUB

Todo se lo debemos a King Tubby, suerte de ingeniero electrónico devenido en el Thomas Edison del género. Si bien Joe Gibbs, ingeniero de otro estudio jamaiquino y tiempo después dueño de su propio sello, bautizó como “dub” a esos lados B instrumentales de los singles de reggae, el valor artístico del saludable invento corresponde a Osbourne Ruddock o King Tubby como lo conocerá la posteridad (el infortunio se lo llevó en un misterioso asesinato perpetrado en su estudio en 1986). El chiste: se equivocó en la confección de los acetatos (una muestra en una placa de metal de lo que sería el disco final) y dejó sin partes vocales al track que estaba masterizando. Al volverlo a escuchar, le gustó tanto lo que había logrado, que decidió usarlo en su propio sound system (Home Town Hi Fi, ése era el nombre).

Han pasado más de treinta años de esos cruciales experimentos llevados a cabo por King Tubby y su precursor uso de la consola de grabación como instrumento: hoy en día el dub es la punta de un iceberg ya incontrolable.

Casi un anticipo de lo que actualmente conocemos como remix (esa nueva mezcla de instrumentos ya grabados), el dub destiló siempre su hipnótico beat, abrasador, en base a pura mutilación productiva, a impura manipulación adictiva. Lee Perry fue el primer surrealista del dub y King Tubby el primer modernista, Mad Professor le toca el título del primer lunático. El apodo se lo ponen sus compañeros de primaria cuando a los diez años construye una radio con diodos y transistores (algo bastante inusual en su Guayana nativa). Como su padre vive en Londres, se muda a hacerle compañía a los trece años. Al tiempo –corre el año 1979– Neil Fraser "Mad Professor" (así lo acredita su pasaporte) ya está construyendo su propio estudio en el sur de Londres, donde no van a faltar dos de sus marcas registradas: los ecos y los reverbs, que inundarán sus grabaciones futuras con ruidos extraños. Ahí mismo decide llamar Ariwa a su sello discográfico, que a lo largo de más de dos décadas no se ha cansado de editar material diverso pero cuya columna vertebral sigue siendo el reggae y sus derivados.

La palabra “ariwa”, de origen nigeriano, quiere decir sonido –también ruido, música y comunicación. Nada mejor para sintonizar el universo de un productor impetuoso como Mad Professor, que alinea en su entrañable proyecto a ciertos puntales de la renovación del sonido jamaiquino de los últimos tiempos: de Pato Banton a Kofi, de Horace Andy (voz navegante de la tripulación Massive Attack) a Jah Shaka, del legendario U Roy a Papa Levi. Todos están en deuda con la ansiedad y el vértigo que pone Mad Professor en su trabajo. La misma deuda que él tiene con dos personajes clave en su vida: Lee “Scracht” Perry y John Peel.